« MOOCHIN’ABOUT » : JAZZ ON FILM

Ethel Waters, Eddie Rochester Anderson, Hall Johnson Choir – Cabin In The Sky (Cabin In The Sky

Des premiers longs métrages sonores aux comédies musicales léchées de la MGM, en passant par les films indépendants destinés au public noir (les race films) projetés exclusivement dans les salles réservées aux Afro-Américains, l’écran est devenu une archive essentielle du génie musical afro-américain. Au cœur de cet ensemble figurent deux géants du spectacle et de l’innovation : Cab Calloway, l’homme au Hi-De-Ho débordant d’énergie de l’époque du Cotton Club, et Louis Jordan, saxophoniste et chanteur dont le groupe, le Tympany Five, a contribué à inventer le langage rythmique qui allait donner naissance au rhythm and blues puis, plus tard, au rock and roll. Ces films témoignent non seulement de grandes performances, mais aussi de la réalité complexe des artistes noirs travaillant au sein et en dehors du système hollywoodien à l’ère de la ségrégation…

Le premier titre de la liste (bien que contestable), Check and Double Check (1930), est une œuvre curieuse et souvent gênante. Produit par la RKO pour mettre en vedette les stars de la radio Freeman Gosden et Charles Correll – grimés en noir (blackface) sous les traits d’Amos et Andy -, Le film contient l’une des premières apparitions majeures à Hollywood de Duke Ellington et de son Cotton Club Orchestra. L’orchestre d’Ellington y interprète Three Little Words  et Old Man Blues , offrant au public un aperçu du jazz sophistiqué des grands orchestres à une époque où cette musique restait largement associée aux boîtes de nuit et aux disques destinés au public noir (race records). Les tensions raciales entourant la production sont révélatrices : les membres de l’orchestre à la peau plus claire, Juan Tizol et Barney Bigard, durent se maquiller pour assombrir leur teint afin que l’ensemble paraisse uniformément noir.

Malgré le contexte de comédie en blackface, la séquence d’Ellington a contribué à le propulser vers une reconnaissance nationale et a démontré que le jazz pouvait attirer le public, même lorsqu’il se limitait à un numéro spécial…Dix ans plus tard, le cinéma indépendant destiné au public noir offrait une tribune d’un genre nouveau.

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Paradise in Harlem (1939), réalisé par Joseph Seiden et produit par Jubilee Pictures, est une comédie dramatique musicale centrée sur Lem Anderson (Frank H. Wilson). Cet humoriste de cabaret à Harlem, cantonné aux numéros de blackface  (maquillage au liège brûlé), aspire à jouer des rôles dramatiques sérieux, et plus particulièrement celui d’Othello dans la pièce de Shakespeare. Le film entremêle intrigue mêlant crime et rédemption à de généreuses séquences musicales mettant en scène la pionnière du blues Mamie Smith, le chef d’orchestre Lucky Millinder et sa formation, ainsi qu’Edna Mae Harris, Francine Everett, Sidney Easton, Babe Matthews et le Juanita Hall Chorus. Des morceaux tels que I Gotta Put You Down , Lord, I Love That Man  et Harlem Serenade capturent l’ambiance swing et blues de la vie nocturne de Harlem à la fin des années 1930. Le tournage en extérieur, au cœur même de Harlem, confère au film une authenticité géographique indéniable. Paradise in Harlem s’impose comme un race film emblématique de son époque : modeste par ses moyens mais ambitieux dans son mélange de divertissement et d’aspirations sociales, il revêt une valeur inestimable en préservant à la fois la musique et les ambitions d’artistes noirs qui, à Hollywood, bénéficiaient rarement d’une telle visibilité à l’écran. 

L’année 1943 vit la sortie de deux comédies musicales hollywoodiennes marquantes dotées d’une distribution entièrement noire. Cabin in the Sky, produit par Arthur Freed et marquant les débuts de Vincente Minnelli en tant que réalisateur de long métrage pour la MGM, adapte une fable populaire de Broadway centrée sur Little Joe Jackson (Eddie « Rochester » Anderson), un joueur dont l’âme est disputée entre le paradis et l’enfer.

Ethel Waters porte le film grâce à son interprétation de Petunia, épouse dévouée, et livre des versions de Happiness Is a Thing Called Joe  et Taking a Chance on Love qui conservent toute leur puissance émotionnelle. Lena Horne, dans ce qui restera son seul véritable rôle principal à la MGM, incarne la séduisante Georgia Brown. Louis Armstrong y apparaît sous les traits de l’un des acolytes démoniaques de Lucifer Jr. (Rex Ingram), tandis que Duke Ellington et son orchestre illuminent la séquence du Paradise Club avec le morceau Going Up. C’est un témoignage majeur du talent noir ayant bénéficié de moyens de studio rarement accordés à ce type de production.

La Twentieth Century-Fox répliqua la même année avec Stormy Weather, un film-spectacle quasi dépourvu d’intrigue, construit autour de la carrière de Bill « Bojangles » Robinson et du personnage fictif de la chanteuse Selina Rogers (Lena Horne). Cab Calloway y apparaît dans son propre rôle, dirigeant son orchestre sur le morceau électrisant Jumpin’ Jive  ;

ce numéro culmine avec la légendaire danse sur escalier des Nicholas Brothers – une cascade de grands écarts, de sauts et d’acrobaties qui semble encore aujourd’hui relever de l’impossible. Fats Waller y interprète Ain’t Misbehavin’ , Katherine Dunham et sa troupe offrent un interlude de danse moderne saisissant durant la chanson-titre interprétée par Lena Horne, tandis qu’Ada Brown et Dooley Wilson complètent la distribution. À l’instar de Cabin in the Sky, le film fut bridé par le Code de production et par le manque d’imagination de l’industrie concernant les récits centrés sur les Noirs ; toutefois, la concentration exceptionnelle de virtuosité qu’il recèle en fait l’une des comédies musicales jazz incontournables de l’âge d’or des studios. Après la guerre, le centre de gravité se déplaça vers les race films indépendants. Ces films, souvent modestes tant par leur budget que par leurs ambitions narratives, offraient aux artistes du temps d’écran, une liberté de création et la possibilité d’incarner des figures modernes et sophistiquées, loin des rôles de domestiques ou de faire-valoir comiques. Louis Jordan devint la figure de proue de ce courant. Déjà au sommet des classements musicaux avec des tubes tels que Caldonia ,  Is You Is or Is You Ain’t My Baby  et  Choo Choo Ch’Boogie , Jordan tint la vedette dans une série de longs métrages qui servaient essentiellement à filmer ses prestations scéniques.

Dans Beware (1946), réalisé par Bud Pollard, Jordan incarne un chef d’orchestre à succès qui revient dans son ancienne université, le Ware College. L’intrigue, ténue, ne sert qu’à encadrer des numéros musicaux tels que la chanson-titre Long Legged Lizzie  et Don’t Worry ’Bout That Mule. Reet, Petite and Gone (1947) place Jordan au cœur d’une histoire plus élaborée mêlant héritage et romance, tout en restant structurée autour de l’énergie jump-blues de son groupe, les Tympany Five, avec des titres comme Texas and Pacific ,  Ain’t That Just Like a Woman  et la chanson-titre.

Look Out Sister (1947) est le plus inventif des trois films : épuisé, Jordan s’installe dans un sanatorium, rêve qu’il est Two-Gun Jordan dans un ranch touristique et dirige ses Jivin’ Cowhands dans des numéros sur le thème du Far West, tout en sauvant la propriété de la saisie. Les onze chansons du film, réparties sur environ une heure – dont  Jack, You’re Dead , Boogie in the Barnyard  et Don’t Burn the Candle at Both Ends  – montrent Jordan au sommet de sa forme ; son jeu de saxophone alto et son sens inné de la comédie annoncent directement la révolution du rock and roll à venir.

Cab Calloway a également eu droit à son propre film, Hi-De-Ho (1947). Réalisé par Josh Binney, le long métrage confie au légendaire chef d’orchestre le rôle principal – il y joue son propre personnage. L’intrigue passe au second plan derrière les prestations de Calloway – St. James Infirmary , The Hi-De-Ho Man , Minnie Was a Hepcat – et les numéros d’artistes invités qui occupent la seconde moitié du film, notamment les Peters Sisters ainsi que les Miller Brothers et Lois.

Le bebop, ce nouveau langage jazz révolutionnaire apparu au milieu des années 1940, a fait son entrée dans le circuit des race films avec Jivin’ in Be-Bop (1947). Produit par William D. Alexander et coréalisé par Leonard Anderson et Spencer Williams, le film est essentiellement une revue filmée mettant en vedette Dizzy Gillespie et son orchestre. Avec Ray Brown à la contrebasse, Milt Jackson au vibraphone et John Lewis au piano, la formation interprète avec fougue des titres tels que Salt Peanuts, Oop Bop Sh’Bam, A Night in Tunisia et Ornithology. Helen Humes et Kenny  Pancho Hagood assurent les parties vocales, tandis que des danseurs occupent les intermèdes. Le film demeure l’un des rares témoignages d’époque montrant l’orchestre novateur de Gillespie en pleine action. D’autres titres viennent compléter le panorama de la scène musicale de la fin des années 1940 proposé par cette collection.

Sepia Cinderella (1947) est une comédie musicale romantique articulée autour du chef d’orchestre et chanteur Billy Daniels et de Sheila Guyse ; Sidney Poitier y fait une apparition non créditée en client de boîte de nuit, dans l’un de ses tout premiers rôles à l’écran.

Killer Diller (1948) se présente comme un spectacle de variétés réunissant Dusty Fletcher (célèbre pour Open the Door, Richard ), Nat King Cole et son trio, Moms Mabley, Butterfly McQueen, l’orchestre d’Andy Kirk et les Four Congaroos.

Enfin, O’Voutie O’Rooney (1947), un court métrage réalisé par Jack Rieger, filme Slim Gaillard – créateur du vout , un langage absurde – en pleine prestation avec son trio et la danseuse Mabel Lee, prolongeant ainsi l’humour hipster et les jeux linguistiques caractéristiques de son numéro. Pour le public noir, ils offraient un divertissement mettant en scène leurs propres vedettes et reflétant leur langage culturel, à une époque où Hollywood le faisait rarement. Pour les musiciens, ils représentaient une source de travail et de visibilité, ainsi qu’une trace pérenne de prestations qui, autrement, ne seraient restées que dans les mémoires ou sur des disques 78 tours. Regarder ces films, c’est entendre et voir une génération de musiciens et d’artistes qui ont refusé de se laisser réduire au silence et qui ont laissé derrière eux un héritage cinématographique aussi swinguant, inventif et vivant que la musique elle-même… Cent morceaux extraits de ces films sont ainsi offerts sur ce site incroyablement divers et passionnant.